la musica es el arte que más se identifica con DIOS.

BLOG de Juan Yáñez dedicado a la música. Para entendernos mejor, hablemos musicalmente...

lunes, 22 de febrero de 2016

Lohengrin de Wagner en el Teatro Colón




Alejandro Villarreal  - Director de hagaselamusica.com   

Lunes, 22 de Febrero de 2016


                                                       Imponente puesta de la ópera de Richard Wagner en el Teatro Colón. Lohengrin es el sexto título de la presente temporada lírica en el máximo coliseo de este lado del mundo y como tal no pasó en absoluto desapercibido. Puede ser por su director de escena, Roberto Oswald, quién sorprendió con una cuidada creación llena de simbolismos y una colosal presencia de la iluminación. O por una Orquesta que sonó de manera ajustada de principio a fin en manos del director Ira Levin, logrando por momentos un juego de sonidos en el que los músicos se mudaron, cada vez que fue necesario, del foso a detrás de escena o a los palcos. Brillante creación de Levin con sus músicos para un Lohengrin que dejó mucho más de lo hasta acá expuesto.
El barítono James Johnson fue, por confirmadas percepciones, el mejor intérprete de este "Lohengrin" que tuvo en general varios desaciertos en la interpretación de sus voces. Johnson llevó adelante el personaje de Friedrich de Telramund, un ser noble y honesto que a la sombra de su esposa queda inmerso en la  desgracia, la mentira y la deshonra. El "Telramund" de Johnson es brillante, una voz impecable con una emisión importante y sin altibajos. Es que Johnson es un experimentado intérprete que deslumbra desde hace años en las principales salas líricas del mundo. Un gran cantante y actor, el resultado es claro: un vasto artista profesional dentro de un mundo donde la perfección es el objetivo. Johnson fue la estrella de este "Lohenhgrin" que deja claras deudas en el rol de los cantantes si tenemos en cuenta que Friedrich de Telramund es el tercer papel en orden de prioridad de la obra.

La mezzosoprano Janina Baechle en la piel de Ortrude, esposa de Telramund, llevó adelante su interpretación con deslealtades en la emisión de su voz, cuenta con un buen timbre y volumen considerable pero su tesitura no es estable y a raíz de esto su interpretación fue incontrolable y poco armoniosa. Su caracterización de la hechicera es muy buena pero no fue suficiente en un espacio en el que por sobre todo importa el canto. Una vez  finalizada la obra Janina Baechle no salió al escenario a saludar dejándonos a los presentes la inquietud de “por qué”, si fue por algún motivo personal o para evitar el abucheo del público. Si fuera por esta rechazable práctica pregunto: ¿Quién está en condiciones de abuchear a alguien? Existen ovaciones, aplausos e indiferencia a la hora de premiar a un artista, pero abuchear es como mínimo un signo de mala educación. Dicha devolución no debería existir en un contexto infinitamente valioso como el del arte.

Continuando con los intérpretes de la ópera es justo destacar a un "tímido" Richard Crawley que fue fortaleciendo su presencia vocal a medida que se sucedían los actos. Crawley, quien carece de un volumen considerable, fue de menor a mayor dejándonos muy complacidos con su interpretación de "Lohengrin" que mereció una importante ovación en el final. Su voz, de buen timbre y vibrato igualado en el tercer acto, fue una demostración de importante madurez vocal. Por su parte la soprano danesa Ann Petersen cumplió de muy buena manera el rol de Elsa de Brabante por poseer una importante voz aunque lamentablemente no se conjuga con una buena y constante emisión. Debo decir que su caracterización de Elsa de Brabante me hacía ver en escena a la grandiosa Joan Sutherland ya que su parecido físico era notable. Por momentos me dejaba llevar por su voz y su imagen y era como estar asistiendo a la increíble presencia de la tan recordada diva.

Lohengrin narra la historia de un caballero del Grial e hijo de Parzival que viaja al reino de Brabante a orillas del Escalda, reino de Heinrich I, para defender a la princesa Elsa quien fue acusada por la hechicera Ortrud y su marido Telramund de un crimen que no cometió. Estos personajes protagonizan la historia de Lohengrin de Wagner. El papel de Heinrich I lo llevó adelante el bajo Kurt Rydl quién descolló en su interpretación. Su voz flexible de bajo ligero le da brillo a un personaje justo y noble.

Hay que destacar de la obra en general al dúo de Ortrude y Telramund en el comienzo del segundo acto "Erhebe dich, Genossin meiner Schmach!", donde el barítono James Johnson y la mezzosoprano Janina Baechle se lucen en un contexto oscuro y perverso muy bien delineado por Roberto Oswald. También es de destacar el dúo de Elsa con Lohengrin del tercer acto "Atmest du nicht mir die süssen Düfte", con brillantes exposiciones del tenor Richard Crawley y la soprano danesa Ann Petersen. Una mención especial merecen los fragmentos corales, muy presentes en esta obra y a los que Wagner les da un carácter de jurado constante de la acción, de lo que sucede en escena, haciéndolos partícipes de las decisiones. El Coro Estable del Teatro Colón bajo la dirección del maestro Peter Burian no dejo lugar a dudas, fue una eximia e imponente presencia vocal!

Decía que Lohengrin en el teatro Colón no pasó para nada desapercibido y como principal motivo mencioné la puesta en escena de Roberto Oswald. El experimentado reggie quiso con esta nueva puesta de Lohengrin (quinta en su haber de esta obra) llevar a escena una propuesta basada en los símbolos de Lohengrin y su leyenda. Una puesta sencilla que nos da espacio para crear nuestra propia idea de la leyenda del caballero del Grial. “Una presentación minimalista” según su autor que para mí dejó mucho más que el simbolismo y el surrealismo de la idea, dejó la firme sensación de que Lohengrin puede vivir en algún lugar al que todos podemos acceder y a su vez dejarnos llevar al surrealismo de un ser de luz que asiste a la humanidad en pos de un mundo mejor hasta que la realidad se encarga de despedirlo con su crudeza y sádica visión de lo palpable. Nada existe si no lo vemos.

Lohengrin de Wagner fue el sexto título de la presente temporada del Teatro Colón y no pasó desapercibido, tuvo momentos muy buenos y otros no tanto... ¿Acaso no se trata de una obra de Wagner? Un compositor y hombre que nunca resultó inadvertido en vida y no solo por ser un genio de la música. Después de todo, de eso se trata la existencia.


Alejandro Villarreal  - Director de hagaselamusica.com

sábado, 30 de enero de 2016

Orquesta Sinfónica de Guárico rinde homenaje a Antonio Estévez



Publicado por Prensa FundaMusical Bolívar.

El concierto de los músicos de la Orquesta Sinfónica del estado Guárico (OSEG) será propicio para que el público asistente pueda disfrutar del Concierto para Orquesta, compuesto en el año 1949 por el maestro Estévez, músico homenajeado este año por celebrarse el centenario de su nacimiento.

Este viernes 29 de enero, los músicos de la Orquesta Sinfónica del Estado Guárico (OSEG) se vestirán de gala para brindar un magistral concierto destinado a conmemorar el centenario del nacimiento de uno de los compositores y directores de orquestas de mayor referencia del país, el maestro Antonio Estévez, quien nació el 3 de enero de 1916 en la ciudad de Calabozo, al oeste de la extensa geografía llanera.

La actividad se desarrollará en las instalaciones del Consejo Legislativo de Guárico a las 4:00pm, cuando el talento sinfónico de la entidad salga al escenario bajo la batuta del director invitado, Jesús Briceño Marín, perteneciente al Sistema Nacional de Orquestas y Coros  Juveniles e Infantiles de Venezuela, quien ha trabajado junto a los músicos con el fin de regalarle al público guariqueño un extraordinario concierto.

La presentación enmarcada en los 100 años del nacimiento del reconocido maestro calaboceño, dará inicio con la interpretación de la Suite Nº 1 para Orquesta de Cámara, de Igor Stravinsky, uno de los compositores que despertó gran admiración por parte de Estévez. Luego, el flautista Michel Cabrera, proveniente de San Juan de Los Morros, interpretará el Concierto para Flauta y Orquesta en Re Mayor, compuesta en el año 1908 por el compositor Carl Reinecke.

Finalmente, la Orquesta Sinfónica hará gala de sus cualidades y su extraordinario trabajo musical, con el Concierto para Orquesta, escrita en el año 1949 por el maestro Estévez.

Este concierto realizado en el marco del centenario del nacimiento de Antonio Estévez, forman parte del trabajo que realiza el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, cuyo órgano rector es la Fundación Musical Simón Bolívar, adscrita al Ministerio para el Poder Popular del Despacho de la Presidencia y Seguimiento de Gestión de Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela.


Sigue los pasos del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela por nuestras redes sociales: @elsistema por twitter y @elsistema_ por Instagram, y por nuestra página web:www.fundamusical.org.ve

domingo, 10 de enero de 2016

Hernán Gamboa: El último adiós…



                                                           En la madrugada del éste domingo 10 de enero de 2016, (otras noticias hablan del sábado 9 ) dejó de existir uno de los más renombrados cultores del cuatro, ese pequeño instrumento de cuatro cuerdas donde brotan las melodías con especial encanto.
Nos llegó la infausta noticia desde Buenos Aires, donde el maestro residía y se encontraba desde cierto tiempo enfermo.
El músico nacido en San Tomé, estado Anzoátegui, Venezuela, el 18 de julio de 1946, fue uno de los más importantes cultores de la música oriental venezolana. En 1970 fue miembro fundador de “Serenata Guayanesa”, donde se desempeñara como cuatrista y barítono de esa prestigiosa agrupación durante 15 años. A partir del año 85, da comienzo a  una serie de trabajos en solitario.   

“En Miami, trabajó por varios años, hasta recientemente, como Agregado Cultural del Consulado Venezolano. Hoy es considerado el solista de cuatro más destacado de Venezuela. Ha elevado el cuatro al estatus de un instrumento solista de concierto y ha ampliado enormemente su potencial musical. Durante su carrera musical de 40 años, Gamboa ha compuesto o arreglado más de 200 obras, ha hecho más de 35 grabaciones y ha tocado en más de 60 países de América, Europa y Asia”.

sábado, 2 de enero de 2016

LOS INSTRUMENTOS DE LA ORQUESTA

  


LA FLAUTA

EL FLAUTISTA EMMANUEL PAHUD

Empezó a tocar a los 6 años de edad cuando vivía en Roma. Le inspiró el hijo de un vecino que ensayaba en su casa. Graduado en el Consrvatorio de París en 1990 con el primer premio. Fue nombrado primer flautista en la Filarmónica de Berlín a los 23 años.
Nos dice sobre las cualidades de la flauta: Es el único instrumento de viento madera, al menos en música clásica, en que no tocas dentro sino sobre el instrumento. Esto hace que estés más cerca de la técnica vocal, ya que utiliza la resonancia del cuerpo. Incluso diría que eso lo hace más evocador.
Lo que el auténtico flautista tiene que desarrollar es la calidad del sonido…Tiene que trabajar con esa riqueza sonora y lograr que sea plena y dorada- Cuando era más joven recuerdo haber oído a flautistas con un tono demasiado alto, como los pájaros. Eso me atrae mucho. Como el sonido del violín en la cuerda de sol y después la brillantez en la cuerda de mi, esos son los colores que debemos intentar en la flauta.
EL resurgimiento de los instrumentos de época llava funcionando ya, muchos años y todo el mundo reconoce que es una evolución importante. La madera tiene una resonancia y una profundidad de sonido diferente del metal. También la afinación es diferente a causa de la longitud del aire que tenemos que hacer vibrar. Aunque con mi flauta moderna de madera estoy  comenzando a comprender a los interpretes mucho mejor, todavía tengo que profundizar en ese campo.
(Fuente Audioclásica en ocasión de la publicación del “Centenario de Brahms”)
   Emmanuel Pahud (Ginebra, 27 de enero de 1970) es uno de los flautistas más destacados del mundo. Es solista de la Orquesta Filarmónica de Berlín además de Solista internacional. Ofrece conciertos a lo largo de todo el mundo y ha grabado la mayor parte del repertorio para flauta travesera. Emmanuel Pahud toca una flauta de oro de 14 kilates fabricada por Brannen Brothers, Boston. (wikipedia)                                            

miércoles, 1 de julio de 2015

Daniel Barenboim ‘No hay la menor educación musical’


Por DARÍO PRIETO | Vía: www.elmundo.es/

El director argentino, incansable, cierra el curso en Madrid y abre la temporada estival en Barcelona y Mallorca.

Cada vez que Daniel Barenboim (Buenos Aires, 1942) visita España lo hace cargado de un impresionante saco de proyectos. ¿Cómo lo hace? ¿De dónde saca tiempo? «Doy pocas entrevistas», bromea el maestro, que este sábado y domingo cierra junto a su Staatskapelle de Berlín la temporada de Ibermúsica en el Auditorio Nacional de Madrid. Al lunes siguiente abre la temporada del Palau de la Música de Barcelona y tres días después dará un recital como pianista en Pollença (Mallorca), dentro del Formentor Sunset Classics

¿Cuál diría que es el plato fuerte de los conciertos que va a dar en España?
Diría que es una pequeña gira con cuatro platos fuertes. Está el primer programa dedicado a Strauss, con ‘Una vida de héroe’ y ‘Don Quijote’, que no son sólo dos grandes obras, sino que están muy relacionadas, con citas y referencias, y se complementan maravillosamente bien. Además, celebramos ahora el 150º aniversario del nacimiento del compositor, así que, si no es un plato principal, al menos sí es copioso. El segundo programa es la sinfonía ‘Inacabada’ de Schubert y la ‘Sinfonía nº 2′ de Elgar. Entiendo que ésta última no sea algo que se escucha muy a menudo y es una gran pena. Pero ésa es la historia de Elgar en nuestro mundo: no ha sido conocido y aceptado por el gran público, fuera del ámbito de los músicos, donde tenía grandes admiradores. Mahler y Strauss dirigieron obras suyas.

¿Qué supone introducir esta sinfonía de Elgar, que acaba de grabar para Deutsche Grammophon, en el repertorio?
Di mi primer concierto en España en 1958 y me halaga mucho que, después de tanto tiempo, el público todavía quiera venir a oírme cuando toco piano o dirijo. Es una seña de lealtad y por eso me permito utilizar esa confianza que el público me regaló para decirles: «Amigos, tenéis que oír algo que no conocéis».

Todos estos proyectos a la vez…
Si lo pienso no sabría cómo hacerlo todo. Tengo la gran suerte de poder permitirme, desde hace años, hacer sólo lo que me apasiona: lo que me interesa mucho, lo que considero importante o lo que me divierte, y mejor las tres cosas juntas. Arthur Rubinstein decía que si uno quiere ser feliz en la vida debe olvidarse de la palabra «si», del condicional. Ese «yo sería feliz si tuviese esto o lo otro». Aunque… sería aún más feliz si tuviese menos que hacer…

¿Algún sueño por cumplir?
Estos últimos años he estado ocupándome de aprender las sonatas de Schubert que ya he grabado y que saldrán pronto. De pequeño tocaba sólo tres de ellas, pero no me tomé el tiempo para profundizar en el resto. Para mí, ha sido un viaje extraordinario, porque aunque Schubert murió con 31 años y estas sonatas abarcan un periodo de apenas una década, hay un recorrido no menos complejo y completo que el de Beethoven, con muchos años más. Hay algo en él que me fascina y que es el arte de insinuar: frente al gran gesto wagneriano o bruckneriano, él consigue mucho con un pequeño cambio armónico. La próxima temporada voy a tocar el ciclo completo.

¿Qué se aprende de Schubert?
Que los grandes compositores no son contemporáneos pero siguen siendo modernos, porque lo esencial del ser humano no ha cambiado. La tecnología sí, y otras muchas cosas; hemos pasado de ir a caballo al Concorde. Pero las personas, con nuestra inteligencia, o con nuestra falta de ella, seguimos teniendo los mismos problemas, algunos mucho más fáciles y otros mucho más complicados que antaño. El mundo y la tecnología cambian, pero el alma no.

¿Qué le parece lo que sucede con el Palau de les Arts de Valencia?
En España ya lo hemos visto varias veces. El caso de Valencia es especialmente dramático, porque allí no había una gran ópera internacional y ésta la inventó artísticamente Zubin Mehta. No se dieron cuenta de lo que tenían. ¿Qué quiero decir con esto? Que no hay la más mínima educación musical. Hoy en día se puede ser culto, tener conocimientos de filosofía, literatura o ciencias, sin tener el más mínimo contacto con la música. Que es lo que pasa con la gran mayoría de los políticos. Y a los que sí les gusta la música, tampoco la consideran esencial, lo ven como algo que da placer, aunque hay cosas más importantes en el mundo.

¿Y qué propone usted?
La música tiene que formar parte de la educación general, del mismo modo que se estudian Matemáticas y Biología en las escuelas. Es algo que está aquí, no como una torre de marfil en la que uno se pone un ‘Nocturno’ de Chopin para olvidarse de todo lo desagradable de la vida. Yo he aprendido muchísimo de la música para la vida.

¿Vivimos en una era visual?

Parece como si todo lo que tuviese que ver con el oído estuviese dejado de lado hoy en día. Al feto, en el vientre de su madre, a los 45 días del embarazo ya le funciona el oído. Cuando nacen los bebés nos olvidamos de su importancia. Les decimos a los niños pequeños que tengan cuidado al cruzar la calle y miren a derecha e izquierda… Pero está comprobado por la neurología moderna que todo lo que penetra por el oído va al centro mismo del cerebro mucho más rápido. 

La música le da al ser humano la posibilidad de desarrollar su cerebro y de tener una riqueza emocional que no la puede obtener ni siquiera con la literatura o la pintura, porque le falta el elemento del tiempo. Cuando usted se sienta a escuchar un concierto o un disco, está viviéndolo sólo en ese momento, mientras el tiempo de la vida sigue caminando. Todo eso le da a la música una importancia capital, que no está reconocida ni por los políticos ni por quienes se ocupan de la educación. Cuando se den cuenta de esto, la música va a tener una importancia mucho mayor.

domingo, 31 de mayo de 2015

Concierto: Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart. 30.05.2015. Director invitado: Maestro Gregory Carreño
















Juan Yáñez
                 La música se vistió de gala una vez más en San Juan de los Morros y en esta oportunidad asumió la apostura litúrgica que le es menester, para brindarnos  un concierto de extraordinaria jerarquía y excelente interpretación.
 
Tal evento se llevó a cabo el pasado sábado 30 de mayo de 2015, en las instalaciones del Consejo Legislativo y las obras presentadas, (ambas de Wolfgang A. Mozart),  fueron en primer lugar una breve parte de la ópera “La Flauta Mágica”, para a continuación dar comienzo al célebre “Réquiem”; esta última la póstuma composición del genial músico austriaco.

 La ejecución estuvo a cargo de los músicos de tres instituciones musicales del estado: La Orquesta Sinfónica del Estado Guárico, La Orquesta Juvenil del Estado Guárico y Coro Sinfónico del Estado Guárico. Además las voces solistas de Niobys Delgado, Marilyn Vitoria, Jesús Herrera y Deivi Gutierrez.


Todos ellos dando lo mejor de sí, ante la batuta de un director invitado de excepción: El Maestro Gregory Carreño, fundador, de larga trayectoria en el Sistema, especialista en dirección de coros y por sobre todo en lo personal, dueño de una contagiosa y sincera sonrisa, con la que establece una especial comunicación y empatía con los músicos bajo su dirección y el público.
 Oportuno será acotar que en su apellido muestra que pertenece a una de las familias musicales más importantes de Venezuela y por su valía el Maestro José Antonio Abreu ha confiado para consolidar, fundar y fortalecer el movimiento orquestal y coral en Venezuela y América Latina.

Una tarde noche de inolvidable ejecución, en que nos deleitamos con una inmejorable interpretación, orquestal, vocal y coral, realizada por inspirados músicos de nuestro estado, magníficamente dirigidos por el Maestro Gregory Carreño.
   
REQUIEM (Wolfgang Amadeus Mozart) .La obra

De entre los requiems más bellos, el de Mozart, siempre favorito, es uno de los más dramáticos por la severidad clásica de su escritura y la sublime inspiración de su autor. Como todas las obras sacras de gran envergadura y de su madurez, el Réquiem no pudo ser finalizado por su autor. Aquí se recrean las leyendas, el misterioso conde que encomendó la obra y la enfermedad de Mozart. A pesar de todo, su Réquiem es un gran lamento a la genialidad truncada, pero a la vez la invitación a un glorioso reposo. (Palau de la Música. Orfeo Catalá).


El autor posando con el Maestro Gregory Carreño.
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EXPERIENCIAS DEL MAESTRO GREGORY CARREÑO


Maestro Gregory Carreño — La música siempre me inspiró para volver a caminar
Publicado el 2 marzo, 2015 por venezuelasite
Músico Gregory Carreño

Superó las secuelas de un accidente de tránsito
Inmovilizado del cuello hacia abajo. Así quedó el maestro Gregory Carreño, miembro fundador de la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela, luego de que su camioneta fuera impactada cuando retornaba del Monumento de la Paz en Trujillo.

“Era el año 1996, recuerdo que mi carro dio varias vueltas. Cuando reaccioné estaba en una clínica y los doctores dijeron que mi cuello se había fracturado, por lo que había quedado paralítico”, rememora Gregory. Pese al diagnóstico desalentador, Carreño se empeñó en pararse de la cama a como diera lugar. “Yo no sabía realmente cuán peligroso era el hecho de que la vértebra C-4 hubiera aplastado mi médula espinal, solo sabía que recuperaría mi movilidad e independencia”.

Siete años de terapia después logró mover su dedo pulgar, dando esperanza a los doctores que le dijeron que era hora de pasar electricidad a todo su cuerpo. Y así fue. A 18 años del evento, Gregory se sostiene en pie y da conciertos con más ímpetu que antes.

“Con mucha fe, esfuerzo y disciplina, todo heredado de la música, que siempre fue mi inspiración, recobré mi libertad para hacer todo por mi mismo. Volví a mi cotidianidad; solo que para no abusar de mi suerte uso muletas y silla de ruedas para alternar y no mantenerme mucho tiempo en pie”. Actualmente, dirige la Orquesta Sinfónica del estado Miranda y es director ejecutivo de la Fundación Orquesta Juvenil e Infantil de esa entidad. Este año se ha sumado a la cruzada del millón de conciertos a propósito del 40 aniversario de la creación del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela.

“Ningún revés debe alejarnos de aquello que nos apasiona. En mi caso, la música fue lo que me llevó a superar un episodio que de ser abordado de manera distinta, pudo haberle dado un vuelvo negativo a mi vida. Todo es cuestión de actitud y perseverancia. Siempre le dije a mis amigos que no dijeran pobrecito Gregory, sino que me dieran fuerza espiritual e intelectual como la que me dio cada día el Maestro José Antonio Abreu, quien es como un padre para mí y fue mi punto de apoyo en todo momento”

viernes, 1 de mayo de 2015

Recital de Cuerdas (30.04.2015) Pianista invitado: Maestro Serguei Pylenkov

El maestro Serguei Pilenkov con integrantes de la Orquesta Sinfónica del Estado Guárico
Juan Yáñez  
EN CONCIERTO     
Orquesta Sinfónica del Estado Guárico
Recital de Cuerdas (30.04.2015)
Pianista invitado: Maestro Serguei Pylenkov

                     Ayer, 30 de mayo de 2015, a partir de las 5.30 de la tarde, una vez más se hizo presente la musa de la música en nuestra ciudad y lo hizo de la mano de la Orquesta Sinfónica del Estado Guárico.
 Un magnífico concierto que nos sorprendió por su calidad y que fuera hacia la excelencia, desde un  humilde e imperfecto inicio, hasta un sobresaliente y apoteósico final, que se desarrollara conforme a un paulatino y preciso in crescendo.


Útil será acotar para sustentar lo expresado, lo que dijera en una oportunidad un maestro de música:
 “Cometer errores es como uno aprende y crece como músico y en consecuencia como persona, una lección extensiva para la vida, no solo para la música”.

Todo ello tiene su explicación y parte de una feliz incidencia de obligada práctica musical que se halla en los métodos de enseñanza de la OSEG. En ellos se precisa la intervención (en concierto) de músicos de los diferentes niveles de instrucción.
Conforme a ello se dio comienzo al recital con ejecutantes de menor experiencia, hasta llegar a verdaderos prodigios de asombrosa superioridad musical, fruto de su extensa dedicación.

El concierto se escenificó en las instalaciones del Consejo Legislativo del Estado Bolivariano de Guárico (CLEBG), que contara con un extenso programa de breves intervenciones, que incluyera piezas de compositores de diferentes épocas y estilos: Bach, Bocherini, Vivaldi, Beethoven, Haydn, Mozart, Faure, Shostakovich, entre otros donde los jóvenes músicos se animaron a mostrar sus bríos como solistas. Tal circunstancia tuvo como necesario mentor al maestro Serguei Pilenkov, un excelente pianista del sistema que les acompañó en la mayoría de las  intervenciones.

Sin duda los conocimientos transmitidos por el maestro han logrado su objetivo, que no es otro que enriquecer la formación artística de nuestros jóvenes músicos. El maestro Pilenkov nos visita por segunda vez; ha sido una necesaria y loable presencia, una grata novedad para nuestro núcleo por su especialidad como pianista y otros atributos. Según nuestro parecer, creo no recordar otro (pianista) en los más de veinte años de existencia de la OSEG.

  Preciso es reconocer que nuestro ilustre visitante, el concertista Serguei Pylenkov, de origen ruso, es ampliamente reconocido como uno de los principales pianistas del país integrado al Sistema, que se ha especializado en el repertorio vocal y en instrumentos como el violín, la viola, el cello, el contrabajo, el clarinete, entre otros.
El Maestro Serguei Pilenkov en compañía del autor de la nota
 Actualmente  se desempeña como profesor titular en la cátedra, maestro de repertorio y maestro acompañante en diversas cátedras  del Conservatorio de Música Simón Bolívar en la ciudad de Caracas.

Una grata e inolvidable velada musical. Nuestro agradecimiento a los integrantes de la OSEG que con su cariño y entusiasmo facilitan la labor de la institución; a nuestros jóvenes y aplicados músicos y al maestro Pilenkov por su encomiable y provechosa labor.